20世纪五、六十年代涌现的斯堪的纳维亚的杰出设计师们深信建筑和设计能够改善人们的生活，如Arne Jacobsen，Eero Saarinen，Verner Panton和Eero Aarnio……每一年在米兰的Triennale di Milano博物馆，这些传奇设计师的设计作品都会在这里进行展示，人们把它命名为“scandnavion设计，超越神话”，以此来表达对大师设计的敬意。

叛逆的设计高产者
Arne Jacobsen（阿纳·雅各布森）如今已成为世界建筑和设计界的典范。他设计的作品从庞大复杂的建筑到小小汤勺的餐具系列，所有作品的设计宗旨都以创新为重。
“我每次设计的建筑几乎都会被一些人所痛恨，要将它诅咒进地狱。我在1934年设计的Stelling住宅建成时，报纸的评论认为我应该被终身开除出建筑界。当SAS皇家大酒店开幕时，有的杂志举办了一次当地最丑陋建筑的竞赛，我因此获得了一等奖。一件新事物的出现总会伴随着来自各方面的批评，这的确令人烦恼。”Arne Jacobsen在一次访谈中这样说。半个多世纪以来，Arne Jacobsen在推动丹麦建筑和设计业的发展中起着举足轻重的作用。即使在他去世三十多年后的今天，仍然能看到他的影响。他设计的产品总会在日常生活中带给我们享受，好像他仍然在继续着自己的设计活动。对他而言，休闲就是指在换一个领域进行设计工作，这就可以解释为何作为一位高产的设计者，他的作品一直能够尽善尽美。Jacobsen很少考虑传统意义上的设计理念，他的设计准则几乎等同于反准则：“如果我拥有规则，它必然把我禁锢在画板前。”对他而言，着手进行工作才是最重要的。
他对自己的合作者和产品制造商们冷嘲热讽、又毫不妥协，他总是要求工作人员准时将产品送交客户。“你会发现我有工作狂般的强迫症。这有一点悲哀，一个人经常感到许多限制，而没有发现时间在迅速蒸发，即使他对工作有着强烈的兴趣。建筑意味着消耗一切，它已经成为我一生的事业。”从中能够看到Jacobsen对于设计和生产近乎粗暴的严格要求，这使他得到建筑师中的独裁者的名声。另一方面，他的个性也与众不同。他被称为“浪子”Jacobsen，表现出卢梭的风格，他在水彩画、自然学研究和种植方面兴趣浓厚。他说：“如果我有下辈子，我要成为一个园丁。”
有时他试图逃离自己的限制，“我快被审美闷死了。”他寻找反美学和反设计的事物当成自己的避难所：“这真棒，你无法改变任何东西。”他乐于享受简单的食品，比如啃一块糕饼，当然这块饼一定要味美而好看，这就是他的矛盾所在。
“一个房屋只有是艺术品才能被称为建筑。”就这样，Jacobsen的设计使丹麦的特色成为世界风格，也使世界特色融入丹麦风格。 

惜败于时代的家具设计大师
Eero Saarinen（埃罗·沙里宁）在1953年的建筑论坛年鉴上评价包豪斯的设计：“由于对经济和社会因素敏锐的把握，包豪斯的设计理念认为建筑必须通过发展低成本的住房和适于批量化生产的良好设计为人类服务。”
1910年，Eero Saarinen生于芬兰。他的父亲是当时受人尊敬的建筑师Eliel Saarinen。母亲Loja Saarinen是一位天才雕塑家、编织设计师、摄影师和建筑模型制作者。他早年所耳濡目染的都是这个家庭对绘画的认真态度，对于作品的品质和特性的专注精神。他接受的有关每个事物在设计中地位的教诲是：“设计品是这样联系在一起的，椅子在房间中，房间在整个建筑中，一座建筑处于周围的环境中，而这部分环境构成城市的一个部分。”
1923年，Saarinen移民到美国，定居在Michigan。1930到1934年，他在当地管理Cranbrook建筑和设计学院，同时在耶鲁建筑学院学习。在欧洲工作两年后，他回到Cranbrook担任设计讲师，并在一个建筑设计所中和他父亲成为合作伙伴。在此期间，他以自己打破常规的设计在建筑界赢得了声誉。
和父亲合作了一系列设计项目后，Eero Saarinen通过参加1947年杰斐逊国土开拓纪念碑的设计竞标获得了机会。这是他首次作为一名独立的设计师表达自己的设计理念。他的作品不但纪念Thomas Jefferson和美国，同时也要表现时代感，“我的主要构思是创作一座具有永久意义的纪念物，而且它也应该是我们这个时代的一座里程碑。一个方尖碑或是规则矩形、圆形穹顶都不是最好的表达。在密西西比河边．还是一个巨大的拱门更能说明问题。”这个拱门使Saarinen首战告捷。其后的设计诸如底特律附近的通用汽车公司技术中心、TWA的纽约总部、华盛顿特区的杜勒斯国际机场都给他带来了声誉，他被公认为那个时代最成功和最具创造力的建筑师之一。
从1956年直到1961年去世为止，他也从事家具设计。他一直致力于“有机家具”的研制工作。“有机家具”指的是家具具有统一化的形式并且能够使用简单的材料。但是，由于当时技术方面的限制，Saarinen 无法用单一的材料制作具有整体感的家具。因为使用铝制模具塑造出来的有趣外型往往不具备足够支撑台面重量或者一个胖子的强度，桌椅的底座必须使用金属材料。他一直都希望有朝一日能够出现一种足够坚固的材料，使他的整体设计效果得到充分体现。

在不断摸索中前进的独创设计
Verner Panton被称作设计界的“坏孩子”，和大多数同代的设计者不同，他的设计风格与传统的影响背道而驰。他运用具有视觉愉悦性的、色彩鲜艳的室内陈设营造时尚的、充满想象力的设计氛围。他在形式、色彩和光线方面进行了大胆的探索，设计出许多具有生命力的作品，开创了独具特色的设计领域。他的实验多利用非传统的材料，如塑料、玻璃纤维、有机塑胶、钢、泡沫橡胶和其它人造材料，同时还利用了战后的新兴技术。
作为一位充满想像力的设计师，Panton进行着各种试验。他开发了第一批膨化家具，这些家具镀有一层透明的塑料薄膜。1960年这些家具作为“整体环境”设计的一部分被放置在Astoria大酒店的房间中，和室内墙壁、地板和天花板上的同色视幻图案一起，构成了奇幻的景致。在1970年的科隆家具博览会上，这个设计效果成为“整体环境”设计的先锋作品。
Panton移居巴塞尔后，开始了与美国家具制造商Vjtra的合作。他们开发了“飞椅”，一件十分有趣而奇异的家具。1967年在科隆家具博览会上出现的由单片塑料制成的悬臂椅。Panton的椅子设计开创了只用模具不用构件的制作方式，他设计的塑料Panton椅以苹果般艳丽的色彩和怪异的形状成为60年代波普艺术的象征，是20世纪最具代表意义的椅子设计。
Panton椅直到现在还是设计史上非常有趣的作品，它的引人入胜之处不仅在于优雅的形状，而且它是历史上第一把利用简单材料进行外观可塑性实验的椅子，显示出在有限条件下技术手段的成功。Panton以此赢得了1968年的A.I.D．奖。

为了耐用而设计的波普教父
Eero Aarnio（艾洛·阿尼奥）在20世纪60年代中期至70年代中期以外观闻名的芬兰家具设计界中一直处于领先地位。他最重要的设计是的由玻璃纤维制作的可爱外形的“球形椅”和“Pastille”椅。
“球形椅”虽然造价昂贵，但由于制作比例要求精准，在1966年科隆家具博览会上展出后立刻赢得了赞许。在此之前，斯堪的那维亚的设计一直都因其设计的优美外观和可批量化生产而获得声誉。“球形椅”的现代外观具有独创性特征，Asko公司决定与Aarnio合作，因为他能够运用新材料设计具有实验性的家具。
此后，Aarnio着手利用艺术塑造材料，在产品外观方面创制出人类环境改造学意义上的作品，这些设计都是具有现代感、可大批量生产的低成本产品。他的有机形式设计以人造合成材料体现斯堪的那维亚设计的一流品质，而且他确信自己的设计是美丽的，并具有良好的耐用性。“为了耐用而设计”的观点有别于60年代的波普趣味，它进一步扩展了产品的使用范围。 

家具、家装展会，家居将以怎样的狂欢重生？
家居界最热的字眼，无疑是每年一度，或两年一度的各类家具、家装展会，即使展会的季节选在寒冷的冬季，人们对它的期望值依然高涨，反而演练愈加狂热的景象。
国际上著名的展会并不多，声誉度与专业度才是每家家居品牌最为看重的核心，除去参与评选最难的德国科隆展、还有专业性质最强的意大利米兰国际家居展、以及参与度最广的广州国际设计周等，都是人们争相奔涌的地方。
而不管是米兰国际家居展上的以时代为主题的家居陈设，还是德国科隆展以科技创造为核心的产品设计，经典与新颖、古老与现代一次次地以不同的方式进行展示和碰撞，逐渐形成了具备国际视角的新的设计潮流。
而我们就以此为媒介，在这个潮流中学习与时尚接轨的方式，在家居和设计的领域里，凝视传奇，发现精髓，创造着新的设计神话。
这个神话又将会以怎样的形式，用什么样的材料来表现，这一切未必可知，但我们期待着，即将定格在历史上的那些名字与品牌，以一种有趣而毫无定数的狂欢形式走上时代的舞台。